Будем считать, что это лекция...

Культура 2 половины XIX века. Обзор

        Вторая половина XIX века переполнена различными течениями в мировом искусстве и новыми веяниями в науке и насыщена различными изобретениями. Определить точно время существования какого-либо стиля и расположить их в хронологической последовательности просто невозможно. Например, романтизм в искусстве держался стойко ещё с конца XVIII века, и хотя в большинстве энциклопедических словарей он характеризуется как стиль конца XVIII – первой половины XIX века, эта характеристика относится к литературе и философии, тогда как, например, в живописи и музыке он проявляется и в 1850-1870-х гг., а в архитектуре он, по сути, уступил только окончательно разбившему его модерну в начале ХХ века и только благодаря новейшим технологиям, которые были свойственны модерну. Параллельно можно говорить о реализме, критическом реализме, импрессионизме, постимпрессионизме… Нет, в принципе, конечно, можно их немножко раскидать хронологически, но всё это будет крайне условно. Кроме того, время 2 половины XIX века довольно сумбурное, в это время активно развивается всё и во всех отраслях, жизнь ускоряется, разнообразится, а потому один какой-то стиль в искусстве просто не может уже удовлетворить все эстетические запросы жаждущей публики. С другой стороны, будем честными, многое этой жаждущей публикой воспринималось в штыки, именно это ещё способствовало появлению большого количества разных течений – творцы пытались самореализоваться, а публика пыталась на чём-то остановиться. Да, не стоит забывать, что в это же время бурно развивается наука – один Чарльз Дарвин чего стоит! Что из этого вышло? То, что в школьной программе всё стройно и последовательно и совершенно не соответствует тому, что было в действительности.

Итак, начнём с романтизма, всё-таки он появился раньше всех и продержался дольше всех. Романтизм символизировал разочарование в идеях Французской революции и культе разума, который она провозглашала, романтизм пытался раскрыть человека, как нечто цельное, наполненное противоречиями, героическими порывами, трагизмом столкновения мечты и реальности, поэтому в произведениях представителей этого стиля герои всегда бунтуют, борются за справедливость, поднимаются над реальностью, но чаще всё-таки падают на грешную землю под давлением этой превосходящей их по силе реальности, они часто гибнут, но гибнут героически, полные убеждённости в своей правде. Поэтому картины похожи на картины представителей барокко – в них много ярких деталей, полно символики, в них чувствуется героическое напряжение и возвышенность действующих лиц, в которых сразу видны герои и антигерои – герои всегда прекрасны, их позы эстетичны, что бы не происходило, пространство холста всегда полностью заполнено.

         Например, картину «Плот «Медузы»» художник Теодор Жерико писал, основываясь на подлинных событиях, которые, как бы сейчас сказали, вызвали большой резонанс в обществе: это была катастрофа, произошедшая 2 июля 1816 года у берегов Сенегала с пассажирами и членами команды фрегата «Медуза», которые пытались спастись с корабля, севшего на мель, на плоту, который был прицеплен к буксирующим лодкам. На плоту оказалось 147 человек, он был перегружен и на нём было мало провианта и никаких средств управления и навигации, а тут ещё надвигался шторм. Команда на лодках быстро сообразила, что буксировать тяжёлый плот практически невозможно. Боясь, что пассажиры на плоту вскоре начнут в панике пытаться перелезть на лодки, люди в лодках обрезали буксировочные канаты и направились к берегу. Положение на плоту, оставленном на произвол судьбы, обернулось катастрофой: выжившие разделились на противоборствующие группы – офицеры и пассажиры с одной стороны, и моряки и солдаты – с другой. В первую же ночь 20 человек были убиты или покончили жизнь самоубийством. Во время шторма десятки людей погибли в борьбе за наиболее безопасное место в центре у мачты, где хранились скудные запасы провизии и воды, или были смыты волной за борт. На четвёртый день в живых остались только 67 человек, многие из них от голода стали поедать трупы умерших. На восьмой день 15 наиболее сильных из выживших выбросили за борт слабых и раненых, а потом – и всё оружие, чтобы не перебить друг друга. 

Т. Жерико Плот "Медузы"

На картине изображён один из самых напряжённых моментов: утро последнего дня дрейфа плота, когда немногие оставшиеся в живых увидели на горизонте корабль «Аргус». Закон жанра… Картина была написана в 1819 году. Если мы вглядимся в изображения тел, то заметим, что, несмотря на то, что на плоту немало мёртвых тел, мы понимаем, что они мертвы, только по трагическим их позам, хотя на самом деле в таких позах мёртвые тела застыть никак не могли, но закон жанра не позволяет художнику быть реалистичным – человек с его трагическим героизмом должен оставаться таковым и после смерти. Благодаря этому картина создаёт очень напряжённую атмосферу, что и нужно художнику. 1819 год – это первая четверть XIX века, однако академические традиции, сложившиеся в это время в живописи, позже вставляли палки в колёса будущим импрессионистам.

Романтизм в литературе, конечно, тоже процветал в первую очередь в первой половине XIX века: от имени ярчайшего его представителя в литературе – лорда Джорджа Гордона Байрона – произошло целое направление – байронизм. Английский поэт-романтик, проживший 36 лет, подал идею раскрывать в стихах образ мечтателя, которого одолевает отчаяние из-за циничности этого мира и разбитого сердца, за что ухватились многие поэты, до этого воспевавшие разум, античность и идеи просвещения, и развернули свои взгляды на внутренний мир человека. Правда, человеком этим преимущественно был какой-нибудь аристократ, часто обедневший, часто с высокими идеалами и минимумом возможностей их воплотить. Самым же знаменитым образом, созданным Байроном, стал Чайльд-Гарольд – красавец-аристократ, уставший от обыденного, полного уныния, аристократического существования (о, несчастный!),  смертельно заскучавший и отправившийся в неизведанные страны, чтобы вернуть вкус к жизни.

Для российской публики самым известным последователем байроновского Чайльд-Гарольда с лёгкой руки Александра Сергеевича (разумеется, Пушкина) стал Евгений Онегин. В литературе романтизм продержался меньше, чем в живописи, но зато он трансформировался в сентиментализм и то, что стало принято называть «дамским романом» - произведения Жорж Санд 1840-х годов «Консуэло», «Графиня Рудольштат», Шарлотты Бронте «Джейн Эйр» 1847 года, Эмили Бронте «Грозовой перевал» того же года и сейчас признаны классическими произведениями литературы и выдерживают новые и новые постановки и экранизации. Кроме того, например, Н.В. Гоголь тоже начинал как представитель романтизма.

Кстати сказать, происхождение названия стиля связано с Римом (Roma, романский – римский), романтические отношения, роман – всё это бурно расцветает в искусстве XIX века. Именно в этот период появляется самый романтичный танец – вальс. Сначала он берёт вершины в Вене, а затем постепенно захватывает и весь мир, хотя поначалу, надо сказать, его воспринимали в штыки не только в чопорной Англии, но и в славившихся свободомыслием США. Этот танец первоначально считался страшно неприличным. Ещё бы! Ведь в процессе танца не происходило смены партнёра (партнёр и партнёрша весь танец танцевали вместе), да ещё и стояли близко, фактически – обнимали друг друга! В Англии 1820-1840-х гг. на балах мужчина не мог пригласить одну и ту же даму за вечер на два вальса, не состоя с ней в отношениях. При таких ограничениях, конечно, вальс стал страшно романтичным и популярным. Многие композиторы, писавшие серьёзные произведения, не чурались писать и вальсы – Франц Шуберт, основоположник романтизма, Роберт Шуман, Фридерик Шопен…

А что же там было с архитектурой-то? Этот стиль в архитектуре прожил долгую жизнь и во второй половине XIX века подарил миру «воспоминание» обо всех предшествующих стилях, поэтому чаще всего, говоря о стиле, в котором построено то или иное здание того времени, говорят не «романтизм», а «нео-… что-то»: например, неоготика – воспоминание о готике. Или - вместо «нео» используют ещё «псевдо». Мы привыкли воспринимать лондонский ансамбль здания Вестминстерского дворца, где проходят заседания британского парламента, как готическое средневековое сооружение, но – нет, это здание было построено в стиле неоготики архитектором Ч. Берри в 1840-1860 гг. после того, как старое здание практически сгорело в 1834 году.

Вестминстерский дворец, Лондон

    Или, например, неоренессанс – воспоминание об эпохе Возрождения (Ренессанса), благодаря чему в Петербурге появился дворец Великого князя Владимира Александровича (младшего сына Александра II), очень напоминающий палаццо Медичи во Флоренции. 

Дворец Великого князя Владимира Александровича (Дом учёных), Санкт-Петербург

      В России был популярен неорусский стиль – таким создал храм Спаса-на-крови Альфред Александрович Парланд, или, например, на этом стиле остановился Владимир Иосифович Шервуд, строя Исторический музей в Москве на Красной площади (кстати, первое здание, специально построенное как здание исторического музея). 

Здание исторического музея, Москва

     Всё, построенное во второй половине XIX века и отправляющее нас «повспоминать» о других стилях – всё это по сути романтизм. Хотя есть уникальные постройки в этом стиле, которые заставляют не вспоминать о том, что было, а мечтать о сказочном: замок Нойшванштайн в Баварии, построенный по приказу короля Людвига II Баварского. 

Замок Нойшванштайн, Бавария

     Король этот прожил недлинную жизнь (он погиб в 40 лет), никогда не был женат, не имел детей, всю свою жизнь был влюблён в свою кузину, не занимался политикой (что, собственно, было на руку Отто фон Бисмарку). Главным смыслом его жизни была музыка, а главным действующим лицом в музыке – тот, кто её создавал – Рихард Вагнер. Замок Нойшванштайн фактически является результатом романтической фантазии Людвига II, конечно, во второй половине XIX век он не строился как оборонительное сооружение. Основой для плана замка стали эскизы декораций, которые театральный художник Кристиан Янк подготовил к постановке оперы Р. Вагнера «Лоэнгрин». В строительстве участвовали архитекторы Эдуард Ридель и Георг фон Дольман. При проектировании также использовались планы средневекового замка Вартбург. Не только с именем Р. Вагнера связан этот замок. Считается, что на создание балета «Лебединое» озера П.И. Чайковского вдохновило как раз-таки посещение Баварии и впечатление от Нойшванштайна.

И всё же в 1840-х в искусстве всё сильно начинает меняться. В философии активно появляются социалистические учения, полным ходом по миру идёт промышленный переворот, и начинает формироваться новое – классовое – общество, появляется пролетариат. Искусство становится достоянием не только аристократии. Конечно, первой реагирует литература. Зарождающийся реализм резко изменил направленность литературы, вектор сместился с переживаний героев высших слоёв на изменения в общественной жизни и в общественном сознании (хотя романтизм ещё не уступил и такие произведения продолжают писаться, издаваться и читаться). Пример тому – произведения Ивана Сергеевича Тургенева, который, кстати сказать, стал отцом родным для нигилистов, поскольку его Евгений Базаров (заметим – опять Евгений!) из романа «Отцы и дети» – первый литературный нигилист в истории. Литература становится на научные рельсы, и в моду входят жанры научного эссе, очерка, фельетона, даже – рецензии (чего стоят сочинения знаменитого критика Виссариона Григорьевича Белинского!). Популярность такой литературы подтверждает, например, тот факт, что, когда утром 24 ноября 1859 года в свет вышел первый тираж книги Чарльза Дарвина «Происхождение видов путем естественного отбора, или Сохранение благоприятствуемых пород в борьбе за жизнь», к вечеру из поступивших в лондонские магазины 1250 экземпляров не осталось ни одного. После судебной реформы 1864 года в России появляются как художественные произведения, которые раскрывают новое в судопроизводстве – Фёдор Михайлович Достоевский «Преступление и наказание» 1866 года – роман, который писатель построил на газетной заметке, в которой рассказывалось об убийстве процентщицы бывшим студентом, так и целыми томами выходят речи знаменитых юристов, например, среди интеллигенции были очень популярны издания судебных речей выдающегося адвоката Анатолия Фёдоровича Кони.

 Живопись тоже становится реалистичной, само названием стиля – реализм – говорит о том, что художники пытаются передать этот мир максимально точно, чуть не фотографически (вспомним и то, что именно в это время начинается развитие фотографии). Художники развивают портретную живопись – она очень интересна для реализма, поскольку требуется всё мастерство и весь талант показать человека с одной стороны таким, какой он есть, а с другой – вложить в картину какой-то художественный смысл, своё видение. Вторым любимым сюжетом становится изображение людей труда за работой. Собственно, вполне логично. Аристократическая живопись не сказать, чтоб изжила себя, но общество жаждало чего-то нового. Учитывая, что потребителями произведений искусства по-прежнему пока ещё оставалось высшее общество, посмотреть на изображённых на картинах представителей третьего сословия было любопытно. Где ещё могли аристократы увидеть собирательниц колосьев, как не на картине Жана-Франсуа Милле? 

Ж.-Ф. Милле Сборщицы колосьев

На самом деле, конечно, всё было не так просто. Помимо того, что сама живопись менялась, художники всё чаще задумывались, как принести её в массы. Наши додумались первыми, организовав в 1863 году артель молодых художников, которые только выпустились из Академии художеств и предпочли романтизму реализм. В 1870 году она превратилась в «Товарищество передвижных художественных выставок». Портретисты, представители бытового и классического жанра, мастера пейзажа и исторической живописи, театральные художники и художники-монументалисты – все они сейчас считаются цветом изобразительного искусства 2 половины XIX века. Василий Перов, Алексей Саврасов, Иван Шишкин, Илья Репин, Николай Ге, Василий Поленов, Виктор  Васнецов, Василий Суриков, Архип Куинджи, Исаак Левитан, Владимир и Константин Маковские, Валентин Серов… 

Художники-передвижники

.

Кто не знает шишкинское «Утро в сосновом лесу», (правда, обычно называют эту картину «мишки в лесу», но…), а «Богатырей» Виктора Васнецова?

Что же их вдохновило на то, чтобы ездить по городам Российской империи и организовывать свои выставки? Конечно, идеи народников. Реализм постепенно начинает соседствовать с критическим реализмом. Теперь задача не только показать жизнь, но и показать её с самой неприглядной стороны. 

«Арест пропагандиста» Ильи Ефимовича Репина понятен по смыслу, если вспомнить, что происходило в общественной жизни в 1870-х гг. и знать, что картину художник начал писать в 1880. Конечно, на лицо деятельность народников и их провального «Хождения в народ», пик которого пришёлся на 1874 год. 

И.Е. Репин Арест пропагандиста

Как бы сейчас мы сказали – остросоциальная «Тройка» В.Г. Перова, отсылающая к проблеме эксплуатации детского труда, нищенства и бродяжничества, здорово перекликается с литературными произведениями тех лет – «В дурном обществе (Дети подъземелья)» В.Г. Короленко, «Тяжёлые времена» Ч. Диккенса, «Хижина дяди Тома» Г. Бичер-Стоу… Это та проблема, на которую не обращали внимания раньше, равно как и проблема тяжёлого труда рабочих. То положение, которое раньше считалось само собой разумеющимся теперь подвергается критике. 

В.Г. Перов Тройка

Эта живопись не привлекает эстетизмом и возвышенностью, она прочно стоит на земле, напоминая о том, что жизнь конечна, часто уныла и тяжела. Портрет этого времени – уже не парадный портрет, свойственный предыдущей эпохе. Это портрет людей, имеющих возраст, переживания, морщины и лишний вес, дурные привычки и тяжёлое прошлое… Они совершенно человеческие.

Н.А. Ярошенко Курсистка (1883)

И.Н. Крамской Автопортрет (1867)

И.Е. Репин Портрет М.П. Мусоргского (1881)

Одной, наверное, из самых известных картин передвижников, активно обсуждаемых и сейчас, является «Неизвестная» И.А. Крамского. Она не только привлекает всех, кто хочет выяснить личность женщины, изображённой на картине, но и является картиной, которой часто иллюстрируют обложки самых различных литературных произведений авторов 2 половины XIX века (например. роман Л.Н. Толстого «Анна Каренина»). 

И.А. Крамской Неизвестная

Другая же известнейшая картина И.А. Крамского – «Христос в пустыне» не даёт покоя многим своей завершённостью и реалистичностью полного одиночества в пустыне Синайского полуострова, которая никогда не знала ни покоя, ни мира…

И.А. Крамской Христос в пустыне

Таким же живым оказывается и пейзаж эпохи реализма. Казалось бы – это всего лишь пейзаж, жанр, известный много десятилетий, что может пейзажная живопись внести нового в новую эпоху – эпоху промышленных переворотов? Но… Почему мы – в цифровую эпоху – чуть что, хватаем свои гаджеты, чтобы сфотографировать закат, горы, море?.. Загадка природы, которую в очередной раз пытались разгадать художники. Одни пытаются охватить разные явления – дождь, снег, солнечные дни – И. Шишкин. А. Саврасов, И. Левитан, А. Куинджи, другие – что-то одно, например, И. Айвазовский со своей «морской тысячей» - художник написал около тысячи картин на морскую тематику…

И.И. Шишкин Сумерки

А.И. Куинджи Снежные вершины

И.А. Айвазовский Радуга

Передвижники передвижниками, но надо назвать ещё Василия Васильевича Верещагина. Почему? Он крупнейший художник-баталист, в основном всю свою карьеру писал батальные сцены, поскольку с 1863 года фактически был... своего рода глазами министерства обороны. Он много путешествовал, но все эти путешествия были маршрутами военных конфликтов Российской империи. Он смотрел, зарисовывал и отсылал в Санкт-Петербург. Конечно, это были рисунки. А картины - то, что мы можем теперь видеть в разных музеях. По сути, его картины существуют сериями: Туркестанская серия (вспомним период присоединения Средней Азии к России), Кавказ (завершение войны на Кавказе), Балканская серия (последняя русско-турецкая война), Япония (ну, это же понятно?). Собственно, он и погиб в 1904 году на борту броненосца «Петропавловск» вместе с адмиралом С.О. Макаровым во время русско-японской войны. Верещагин был безжалостно точным, где-то циничным в своих живописных суждениях, без каких-либо купюр и смягчений погружая зрителя в то, что видел и не однажды. Громадная по своим размерам картина «Побеждённые. Панихида» - 180 на 300 см сначала словно не привлекает внимание, но стоит приглядеться... Это шрамы русско-турецкой войны 1877-1878 гг.

В.В. Верещагин Побеждённые. Панихида (1877)

Он больше всего боялся потерять внутреннюю свободу, боялся того, что, как он однажды сказал: «последует, когда мне заткнут глотку деньгами». Ломая стереотипы жизни, он ломал и стереотипы живописи. Он утверждал: «Я всегда буду делать то и только то, что сам нахожу хорошим, и так, как сам нахожу это нужным». И делал, пытаясь живописью предупредить: ребята, это же так просто, смотрите, что будет дальше:

В.В. Верещагин Апофеоз войны (1871)

         Но это у нас, а что же в это время в Европе? А там тоже в 1850-х сквозь академический романтизм пробился реализм. И тут вдруг в 1860-х гг. группа французских художников провозгласила право художника на свой субъективный взгляд… Отброшена античность, отброшено торжество разума и даже фотографическая точность передаваемого мира – художники заявляют, что в живописи имеют право передавать то, что видят они своим субъективным чувствительным взглядом мастера. Это было рождение импрессионизма. Заметим: те же 1860-е, когда у нас художники решили, что пора нести искусство в массы…

 Импрессионисты также устраивали свои выставки, ведь художнику важно, чтобы его картины видели, а на все официальные выставки, где царствовал академический рисунок и все принципы романтизма, путь им был закрыт. В прессе их называли «молодые художники», хотя основателям кружка Клоду Моне и Камилю Писсарро на момент первой выставки было 33 и 44 года соответственно. Тем не менее, шпыняла критика их, как зелёную молодёжь. При всей своей тяге к новому, общество всегда консервативно. Критика была убийственной. Так, о картине Эдуарда Мане «Завтрак на траве» критик писал: «Кто-то ищет совершенную красоту, а мсье Мане ищет совершенное уродство».

Э. Мане Завтрак на траве

Публику возмущало всё: и несовершенство форм модели (особенно, конечно, обнажённая женская фигура шокировала – с неидеальными неантичными пропорциями и несовершенной кожей), сам скандальный сюжет (ну как же: это же завтрак, завтрак в парке, в котором участвуют четверо – парами, но почему-то мужчины полностью одеты, а вот женщины…), собственно и манера написания картины, в которой полностью отсутствовал требовавшийся академизм…

 Собственно говоря, первый большой скандал вызвала картина Клода Моне «Впечатление. Восход Солнца», которая помимо названия имела ещё и указание даты написания: 13 ноября 1872 года 7.30 утра. Публику просто шокировало то, что эта картина, по сути, не картина, а так, этюд, возмутило, что Моне посмел выставлять на продажу плод часа своей работы! Картина действительно была написана с натуры в старом порте Гавра, он действительно потратил на неё около часа времени. И это действительно было просто «впечатление». 

К. Моне Впечатление. Восход Солнца

Убийственная критика этой первой выставки и дала название всему направлению, в газетах их так и назвали – импрессионисты: «впечатленцы» (фр. impression «впечатление»).

Собственно говоря, большинство импрессионистов творили, что называется, в стол, картины их продавались плохо, критика не жаловала, жили они бедно. Живопись импрессионистов не имела ничего общего со всеми теми общественными течениями и мировыми проблемами, которые властвовали в то время в умах многих деятелей культуры. Так, например, зачастую они имели свои серьёзные общественно-политические убеждения, но это не отражалось на их творчестве, в котором они пытались ухватить момент, всего лишь впечатление от того, что зафиксировал глаз. Так, например, Камиль Писсарро был убеждённым социалистом, читал произведения русского революционера-анархиста П.А. Кропоткина. Во время франко-прусской войны многие из них подпали под призыв: Фредерик Базиль (там и погиб в 1870 г.), Огюст Ренуар (отслужил всю войну в кирасирском полку), Эдгар Дега (был списан с военной службы по слабому зрению, к концу жизни практически ослеп), а вот Моне и Писсарро – истинные уклонисты – в этот период бежали в Лондон, ходили там по выставкам и набирались впечатлений, что, правда, потом не помешало им заявлять, что английские художники не оказали на них влияния… Однако «Мост Ватерлоо», пожалуй, одна из самых известных картин Моне…

К. Моне Мост Ватерлоо

Если импрессионисты ловили момент и изучали разработку белого цвета в своих картинах, то пришедшие им на смену постимпрессионисты вообще не имели каких-либо ориентиров в живописи. В принципе, даже стиля такого нет – одни только имена, потому что постимпрессионизм не обозначает ничего, кроме того, что это «было после импрессионизма». Это собирательное название целого множества совершенно разрозненных течений и экспериментов в живописи конца XIX – начала ХХ века. Они все друг с другом встречались, все оказывали друг на друга влияние и ни один не стал последователем другого, чтобы выработался сколько-нибудь оформленный стиль. Самыми известными в целой череде художников были Поль Сезанн, Винсент Ван Гог и Поль Гоген. Каждый из них дал миру себя и свои поиски. 

Сезанн, например, изучал линию, его картины геометрически точны, ему не важны детали - утро, день, вечер, собственно говоря, ему было абсолютно неважно даже, из чего сделаны те предметы, которые он пишет, для него важным была только геометрия этих предметов.

П. Сезанн Горы Прованса

     Историями об отрезанном ухе Ван Гога и его сумасшествии полнится интернет… Он приехал в Париж, где познакомился с Жоржем Сёра, который писал в технике пуантилизм (манера письма отдельными точечными или прямоугольной формы мазками), но не смог работать так методично, как того требовала техника, и превратил всё в нервы. О нём тогда, ещё в 1886 году Камиль Писсарро сказал: «Он либо сойдёт с ума, либо превзойдёт всех импрессионистов». Он сделал и то, и отчасти другое тоже…

В. Ван Гог Звёздная ночь

      Поль Гоген же – «провокатор» болезни Ван Гога (именно бесконечные споры и ссоры этих двоих стали катализатором психического расстройства Ван Гога) – стал тем, кто привнёс в живопись Европы совершенно иное видение мира – островное, отчасти ещё первобытное. Кстати сказать, начинал он как вполне преуспевающий банковский служащий, отягчённый всеми радостями жизни и удобствами, а потом оставил семью, бросил работу и уехал в Панаму, а потом на Таити… 

П. Гоген из серии Таитянские пасторали

Литература конца XIX века стала остросоциальной с одной стороны – Антон Павлович Чехов, мастер маленького рассказа и множества деталей, Джек Лондон, Бернард Шоу. С другой – это эпоха эстетизма и модернизма и в литературе тоже – Оскар Уайльд, Дмитрий Мережковский, Поль Верлен, Артюр Рембо.

К сожалению, литературу надо читать, а музыку надо слушать. Их не окинешь взглядом быстренько, как можно картины или фотографии зданий…
Музыка второй половины XIX века полна противоречий. С одной стороны это европейская классика с её оперой, которая писалась по особым законам – несколько выдающихся арий, чтобы все потом могли напевать, скупая ноты (помним, что аудиопрослушивателей ещё не было) и делая деньги  нотным издателям: люди любили дома попеть знаменитые арии из знаменитых опер. Кстати сказать, композиторам далеко не всегда что-то перепадало, так, долго бытовал такой рассказ
«После первого же представления оперы «Фауст» Шарля Гуно, популярность оперы среди парижан росла с каждым днем. Издательство не успевало выпускать ноты на темы этой оперы. Однако материальное благополучие композитора не повышалось… Однажды владелец музыкального издательства пригласил Гуно покататься на санях по Булонскому лесу. Создатель «Фауста» явился в своем старом, изрядно потертом зимнем пальтеце; издатель, ожидавший его в загородной вилле, был одет в новенькую, с иголочки, элегантную шубу.
Гуно пощупал пальцами дорогостоящую вещь.
- Поздравляю, - сказал он, улыбаясь, - подарок «Фауста», не так ли?»
Самым известным мастером был Джузеппе Верди.
С другой стороны музыкальных баррикад находилась русская опера, которая развивалась по своим законам – русская опера музыкально заполнялась вся, композиторы писали не только арии главных героев, а общие сцены пускали на произвол речитатива (фактически просто певучей декламации), а создавали полноценные музыкальные спектакли.

Да, надо ещё, конечно, не забыть о композиторах-непрофессионалах. В конце 1850-х годов в Петербурге сложился кружок композиторов, которые не имели профессионального музыкального образования. В него вошли: Милий Алексеевич Балакирев (поступил на математический факультет Казанского университета, а подрабатывал преподаванием музыки, т.к. мама в детстве научила, потом бросил университет и, вернувшись домой в Нижний Новгород, стал дирижировать оркестром Дворянского собрания), Модест Петрович Мусоргский (офицер лейб-гвардии Преображенского полка), Александр Порфирьевич Бородин (химик-органик, доктор медицины, работал вместе с Д.И. Менделеевым, с ним же вместе открывал первые высшие женские медицинские курсы), Николай Андреевич Римский-Корсаков (гардемарин, служил на флоте и сочинял, так самоучкой был приглашён преподавать в петербургскую Консерваторию, потом стал её ректором, был снят с должности за поддержку революции 1905 года) и Цезарь Антонович Кюи (профессор фортификации, инженер-генерал). Этот кружок в историю вошёл под названием «Могучая кучка». Их произведения были очень разными: и такими, которые можно вполне отнести к реализму, например, «Картинки с выставки» М.П. Мусоргского – цикл фортепианных пьес, которые Мусоргский написал в память о своём друге архитекторе Гартмане, каждая пьеса имеет характерное название и музыка ему полностью соответствует. Например: «Гном», «Балет невылупившихся птенцов», «Избушка на курьих ножках» (Баба-Яга).

М.П. Мусоргский из серии "Картинки с выставки" - "Избушка на курьих ножках (Баба-Яга)"

  К середине 1860 годов сам кружок распался, но композиторы продолжали творить. Оказывая на развитие русской музыки каждый своё сильное воздействие. Фактически, они стали теми, кто стоял у истоков новой российской музыкальной культуры.

Рубеж XIX-ХХ века стал эпохой русского балета. Как Павел Михайлович Третьяков фактически дал жизнь в искусстве художникам-передвижникам – покупая их картины и пропагандируя их искусство, так Сергей Павлович Дягилев дал миру русский балет, не зря же одна из площадей, окружающих громадное здание Парижской оперы, носит его имя – площадь Дягилева. Его «Русские сезоны» стали тем, что и сейчас, по прошествии более столетия, билеты на спектакли Большого театра, например, в Лондоне раскупаются примерно за полгода до гастролей театра. Он стал тем, с чьей лёгкой руки и благодаря чьим деньгам в классический балет пришёл модерн, вместо крупных форм – больших спектаклей, появилась малая – балетные миниатюры, собственно, благодаря кому в театральный свет вышел реформатор классического балета Михаил Фокин, благодаря которому пьеса Камиля Сен-Санса «Лебедь» из сюиты «Карнавал животных» превратилась в знаменитый балетный номер «Умирающий лебедь». А благодаря изобретённому братьями Люмьер синематографу уже в начале ХХ века эта балетная миниатюра была снята, и мы можем увидеть, пусть ещё и с особенностями первых видео, но исполнение этой миниатюры её первой исполнительницей – балериной Анной Павловой.

К. Сен-Санс, хореография М. Фокина исп. Анна Павлова "Умирающий лебедь"

В общем-то, вторая половина XIX века была очень и очень насыщенной. А что уже говорить об изобретениях! И швейная машинка, и печатная машинка, граммофон и фонограф, телефон, радио, синематограф … Одним из первых фильмов – был короткометражный фильм «Прибытие поезда на вокзал Ла-Сьота» братьев Люмьер, вышел он в 1896 году, который, собственно, и считается годом начала кино. 

Братья Люмьер. Прибытие поезда на вокзал Ла-Сьота, 1896

В архитектуре рубежа веков тоже наконец-то победили романтизм. Воцарился модерн. Стиль, который зародился Европе в 1890-е гг. и развивался до Первой мировой войны. Особенно ярко он проявился при строительстве особняков и индустриальных зданий: именно там архитекторы могли разгуляться вовсю, используя новейшие строительные технологии: бетона, железобетонных конструкций, стекла и керамики для облицовки и пр. Благодаря технологиям архитекторы отказываются от простых линий и углов, здания часто создаются асимметричными, с громадными окнами и разноуровневыми этажами.

Австрийская площадь, Санкт-Петербург

Да и вообще новые технологии позволяли архитекторам многое. Например, Павел Юрьевич Сюзор построил в Петербурге Дом компании Зингер за два года (1902-1904) в самом центре города на Невском проспекте, даже ни разу не перекрыв движение по главной магистрали столицы из-за строительных работ.

 Дом компании Зингер (Дом книги), Санкт-Петербург

В 1895 году – Конрад Рентген случайно «просветил» себе неизвестными лучами руку и увидел кости, что стало открытием рентгеновского излучения, а Александр Степанович Попов на заседании Русского физико-химического общества представил доклад «Об отношении металлических порошков к электрическим колебаниям» и представил радиоприбор, в 1898 году Пьер и Мари Кюри открыли радий, в 1900 году Эрнест Резерфорд создал планетарную модель атома, в 1903 году Уилбур и Орвилл Райты изобрели-таки первый управляемый летательный аппарат тяжелее воздуха, в первый свой полёт так неудачно севший на сарай, а в 1905 году молодой физик Альберт Эйнштейн опубликовал специальную теорию относительности, после чего появился стишок:

Когда-то мир был темнотой окутан.

«Да будет свет!», - Сказал. И появился Ньютон.

Но Сатана недолго ждал реванша:

Пришёл Эйнштейн. И стало всё как раньше.

Мир стоял на пороге квантовой физики, энергии атома, мировой революции и тоталитарных режимов. Но это уже совсем другая история…